優雅的時光：達人聆賞華格納樂劇22年全紀錄

如果您是真正的華格納迷，閱讀本書，您將此生無憾！ 閱讀此書，您也必將成為華格納「樂劇」達人與粉絲 　　本書收錄戲劇大師楊世彭博士二十二年間於台灣、香港、大陸所發表之二十四篇文章，包括精彩賞劇彩照近二百枚。 　　全書主軸在作者以優雅筆觸娓娓道出自己如何參與了一九九五年至二Ο一六年間的德國拜羅伊特樂劇節近七十場的演出， 　　包括九度觀賞難得一見的《指環系列》四聯劇，專業地描述現場觀感及世界頂尖演出的妙處。 　　作者本身是導演，全面掌控與關注節日劇場的舞臺運作自是一流。 　　書中除了在德國的觀劇紀錄，另外也報導了紐約、薩爾兹堡、格蘭邦、愛丁堡等地的歌劇演出。 　　特別值得一提的是，書中還有難得一見的指揮家小澤征爾不公開排練紀錄。 　　優雅的時光，正是大師楊世彭的愛樂生活與演藝人生。

獻給伴我半世紀的惟全 自序 陳唯正序言 張慧慧序言 華格納，他的樂劇及他的劇場 華格納的生平及樂劇作品 華格納「樂劇」與一般歌劇的異同 《指環系列》的簡介 華格納其他樂劇簡介 拜羅伊特樂劇節簡介 拜羅伊特的節日劇場 拜羅伊特的觀眾 拜羅伊特小城的去處與住所 十訪拜羅伊特樂劇節全記錄 初訪拜羅伊特樂劇節（1995） 二訪拜羅伊特樂劇節（1998） 三訪拜羅伊特樂劇節（1999） 新世紀的嶄新《指環系列》（2000） 頂級的演藝享受（2002） 拜羅伊特樂劇節的「驚人」首演（2004） 拜羅伊特的嶄新「指環」製作（2006） 華格納樂劇聖殿的新去向（2008） 拜羅伊特離經叛道的《指環系列》（2014） 拜羅伊特的非「指環」製作（2016） 附錄：其他歌劇、音樂的聆賞 災難中的演藝盛宴（2001） 聆聽小澤征爾的「不公開排練」（2001） 愛丁堡國際演藝節的《指環系列》（2003） 紐約大都會歌劇院的 《指環系列》（2004） 初訪葛蘭邦歌劇節（2005） 薩爾茲堡音樂節的觀感（2008） 有關華格納的唱片影碟及參考資料

華格納（Wilheim Richard Wagner）是十九世紀最偉大的歌劇作家之一，一八一三年生於德國萊比錫，一八八三年死在義大利的威尼斯，享年六十九歲。 他是浪漫主義時代出色的演藝家，在作曲、編劇、指揮、導演、論戰方面都有相當的成就，但後世最追念他的，乃是他留下的十齣歌劇。 本書是作者楊世彭長達22年不斷從美國、香港等地前往拜羅伊特戲劇節(德國)，每次至少出國十天，聆賞七部以上的樂劇演出，如此非常的專業堅持與長年寫作而成。拜羅伊特劇場是德國一座小城，由華格納親自督工建造完成的完美劇場就座落城中，劇場條件及周圍環境就是為了專業演出，來此除了座無虛席，一票難求，得排隊多年。但專業人士趨之若鶩，欣賞表演時更是如癡如醉，每年7月底至8月底，整整一個月，來自世界各地的樂迷，盛裝出席，演出有時長達五小時，下午開始，結束都已經夜晚10點以後，喜愛之人視之為心靈盛宴，真乃人生中最優雅的時光。 華格納留下的十齣歌劇。這些歌劇他叫作 Das Musikdrama （music-drama，中譯「樂劇」），都由他自己編寫劇本，因此他也是音樂史上難得的兼擅作曲編劇的創作者。十九世紀某一知名評論家，好像是尼采吧，稱讚他「綜合了莎士比亞與貝多芬的偉大」，雖略過譽，也是因爲他在作曲及編劇上都有很大的貢獻。 紐約大都會歌劇院網站簡介華格納有這樣的説法：他創作的「樂劇」在當時充滿爭議，但在今天絕對是歌劇作品中佔中心地位的傑作。在創作上他深具革命性，對劇場演出的每一部分都有獨到的見解。他堅持歌辭及音樂在他的作品中具有相等的地位，樂隊與歌手也同等重要；這種想法深合他重要的「綜合藝術」觀點（the Gesamtkunstwerk, or “total work of art”），融合音樂、詩句、舞蹈、建築、繪畫以及其他創作元素於一爐，這個觀點對藝術創作的影響，遠遠超越歌劇這個領域。 華格納的傳世歌劇作品共有十一齣，他管這些作品作「樂劇」(music drama)，以示與一般的「歌劇」(opera) 不同。 西方歌劇的起源是在歐洲文藝復興時代的末期。當時的義大利佛羅倫斯城，有群人文學者成立了一個「同好社」或「藝術集團」，叫做the Florentine Camerata，他們的研究重點就是希臘悲劇，認爲那些公元前五世紀的戲劇演出很可能是吟唱的，至少其中的「吟唱隊」部分（the choral passages），肯定是唱的。爲了顯示這點，這「同好社」裡的音樂家雅各布•佩利 (Jacopo Peri) 與一位詩人同好就寫作了史上第一齣吟唱的戲劇作品《達芙尼》(Dafne, 1597)，次年隆重公演，得到極好的回響。可惜這部作品早就湮沒，衹有佩利的另一部作品《尤麗狄茜》(Euridici, 1600’s) 尚存，是爲歌劇史上最早留存的作品。 這種起自義大利的「吟唱演出」逐漸自宮廷流傳到民間劇場，有了個新的名稱opera（opere作爲複數），源自拉丁文opus，原意「作品」。這個新的演出方式以音樂及歌唱爲主，陳述一個簡單的故事，取自神話或英雄傳説。Opera在宮廷搬演時，由於預算充裕，不免在佈景、燈光、服裝、舞蹈上投注財力，歌唱方面也精益求精，出現了一群極富才華的歌唱明星，漸漸形成今日歌劇演出上依舊存在的特點，那就是以演唱技巧爲主，音樂動聽為副，加上華美堂皇的佈景服裝燈光效果，配以合唱隊及偶有的舞蹈撐起較大的場面，而故事的鋪陳，劇情的發展，角色的營造，在這種演出中倒變成相當次要的原素了。 義大利歌劇的發展到了十八世紀的古典主義年代，形成一種不變的形式，那就是用華美動聽的詠嘆調（aria）提供歌手展示演唱技巧的機會，以簡單伴奏的宣敘調 (recitative) 鋪敘劇情，加上一個序曲 (overture) 及每幕開始或結束前的音樂間奏，一些對唱 (duet)、三重唱 (trio)、四重唱 (quartet)、大合唱 (chorus)，再加上常有或不一定有的舞蹈片段，形成一個至今還見到的演出模式，這種模式在十八世紀莫扎特、韓德爾的作品中達到很高的藝術層次。那些作品有一個共有的現象，就是在演出中凸顯歌手（尤其是明星歌手）的獨唱片段，而劇情的鋪陳與發展，卻被這些詠嘆調與宣敘調切割成二三十個勉强連接的斷斷續續了。 在這種演出模式中，作曲家必須為男女主角在每幕安排一到兩首獨唱及一個對唱，另外三四個主要配角也都需要安排一兩首獨唱或對唱，再加上他們之間該有的三重唱、四重唱，劇情的發展至少會被切割二十幾次，最好的劇作家也無法交代一個動人而比較複雜的故事，而角色的營造，在這種演出裡更屬奢求了。這是西洋歌劇最大的「死穴」，觀衆在觀賞歌劇時絕非追尋故事或要求角色的深度，他們僅求動人的歌唱及美妙的音樂。 到了十九世紀初期，以「美聲唱法」(bel canto) 著稱的歌劇作家若貝里尼(Bellini)、多尼采蒂 (Donizetti)、羅西尼 (Rossini)，以及世紀後期浪漫主義歌劇作家若威爾第 (Verdi)、普契尼 (Puccini) 等，他們的作品雖比古典主義時代進步很多，裡面宣敘調的影子也逐漸消失，但劇中詠嘆調作爲凸顯明星歌手的早年傳統依舊存在，在十九世紀二十世紀，甚至現今的演出中，這些作品仍有明顯的環節，在一曲終了時讓劇情中斷音樂停止，給觀衆機會鼓掌叫好，甚至讓明星歌手把那精彩片段再唱一次。這是歌劇演出的高潮，也是歌手與觀衆同感過癮的時刻。 在這些方面，就可以看出華格納樂劇與一般歌劇，無論是十八世紀古典主義歌劇或十九世紀美聲唱法歌劇，甚至十九世紀末葉浪漫時代的歌劇，最大的不同之處了。 華格納的歌劇作品深具革命性及爭議性。他的歌劇，以他自己的話說，應是一種「整體的藝術品」（Gesamtkunstwerk or “complete work of art”），把音樂、詩句、美術這些要素融合在一起。他擴大了樂隊的編制，在樂譜中冲淡詠嘆調的特顯地位，把宣敘調去除，使他的歌劇作品形成一個個「無隙縫無休止的音調鋪陳」，從每一幕的開始直到那幕的結束，其中絕無空間容許觀衆鼓掌叫好，而現代的華格納樂劇演出，觀衆也都是在一幕結束之後才鼓掌，甚至根本不鼓掌；譬如說，《帕西法爾》第一幕結束通常不鼓掌，因爲此劇宗教意味甚濃，與耶穌受難日有關。 這些作品，華格納自己稱作「樂劇」(music drama)，以示與一般歌劇不同，而他與其他作曲家最大不同之處，就是他也自己編寫劇本唱詞，這些劇本取材自日耳曼民族的傳説，凱爾特民族傳說，或亞瑟王傳説 (Germanic，Celtic， Arthurian legends)，使得他的劇本題材往往具備某種哲理，無怪乎他的崇拜者稱揚他為「集貝多芬與莎士比亞之大成」，雖略過譽，但在音樂史上也真找不出另一位能寫精彩劇本，也能譜極好音樂的創作天才了。